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Es Maestranda en Diversidad Cultural con Especialización en Estudios Afroamericanos en la UNTREF. Desde 2003 coordina el Instituto de Investigación y Difusión de Culturas Negras. Ha organizado el III Congreso Internacional de Culturas Afroamericanas (2006) y las Jornadas Afroamericanas (2005). Es profesora de Literatura en la IES Nº1. Acondicionó la Biblioteca particular de Juan Andralis y la documentación de la Editorial Argonauta, resguardándola en el Centro de Investigaciones Surrealistas. Implementó el proyecto “Hemeroteca ambulante” en espacios públicos. Es miembro fundador de los Colectivos ETCETERA (Intervención urbana) y RIBA (CCD/Derechos Humanos), investiga sobre las estrategias de la oraliteratura en performances rituales y geopoéticas de la memoria.

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart​, más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, es considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
Abarcó todos los géneros musicales de su época. Produjo más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

Robert Schumann​ (Zwickau, 8 de junio de 1810-Bonn, 29 de julio de 1856) es considerado uno de los más importantes y representativos compositores del Romanticismo musical.
Schumann dejó sus estudios de derecho, con la intención de seguir una carrera como virtuoso pianista. Su maestro Friedrich Wieck le había asegurado que podría convertirse en el mejor pianista de Europa, pero una lesión en la mano terminó este sueño y centró sus energías musicales en la composición. Se casó con la hija de Wieck, Clara, después de una larga y dura batalla legal con el padre. Comenzó una asociación musical para toda la vida, ya que Clara era una pianista y prodigio musical consolidada. Clara y Robert también mantuvieron una estrecha relación con el compositor alemán Johannes Brahms.
Hasta 1840, Schumann compuso exclusivamente obras para piano. Más tarde, escribió para piano y orquesta y muchos lieder. Compuso cuatro sinfonías, una ópera y otras obras orquestales, corales y de cámara. Sus obras más conocidas incluyen Carnaval, Estudios sinfónicos, Escenas infantiles, Kreisleriana y Fantasía en do. Fue conocido por llenar su música con personajes a través de motivos, así como referencias a obras literarias. Estos personajes emanaron en su redacción editorial en la Neue Zeitschrift für Musik, una publicación ubicada en Leipzig que cofundó.
Schumann sufrió una enfermedad mental que se manifestó por primera vez en 1833 como un episodio depresivo melancólico severo, que se repitió varias veces alternando con fases de «exaltación» y cada vez con más ideas delirantes de ser envenenado o amenazado con elementos metálicos. Lo que ahora se cree que fue una combinación de trastorno bipolar y quizás envenenamiento por mercurio condujo a períodos «maníacos» y «depresivos» en la productividad compositiva de Schumann. Después de un intento de suicidio en 1854, Schumann fue admitido a petición propia en un hospital psiquiátrico en Endenich, cerca de Bonn. Diagnosticado con melancolía psicótica, murió de neumonía dos años después a la edad de 46 años, sin recuperarse de su enfermedad mental. Su vida y obra reflejan en su máxima expresión la naturaleza del Romanticismo: pasión, drama y alegría. En sus obras, de gran intensidad lírica, confluyen una notable complejidad musical con la íntima unión de música y texto.

Pedro Sáenz, nació en Buenos Aires (Argentina), el 4 de mayo de 1915 y murió en Madrid el 16 de febrero de 1995. Llevó adelante simultáneamente una carrera como compositor, docente, pianista y clavecinista, ofreciendo recitales (a partir de 1936) en América y Europa, tanto como solista (con y sin orquesta) como en grupos de cámara. Esporádicamente practicó la crítica musical y escribió sobre temas musicales en las revistas argentinas Ars y Sur. La segunda edición de su tratado de Armonía ("A mis alumnos, que me impulsaron a escribir este libro. A la memoria de Athos Palma, mi maestro") fue publicada en 1992. Entre sus aficiones se contaban el ajedrez y el esperanto. Hablaba fluídamente alemán, inglés y francés.

Georg Friedrich Händel fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa. Para varios expertos es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y para algunos hasta en el oratorio, por delante de Johann Sebastian Bach.
Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo xviii, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

Johannes Brahms fue un compositor, pianista y director de orquesta alemán del romanticismo, considerado el más clásico de los compositores de dicho periodo. Nacido en Hamburgo en una familia luterana.
Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador, influenciado por Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y, particularmente por Ludwig van Beethoven y Robert Schumann. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la Guerra de los románticos. Su música está arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos. Si bien muchos contemporáneos encontraron su música demasiado académica, su contribución y artesanía han sido admiradas por figuras posteriores.
Brahms compuso para orquesta sinfónica, conjuntos de cámara, piano, órgano y voz y coro. Fue pianista y estrenó muchas de sus propias obras. Trabajó con algunos de los principales artistas de su tiempo. Muchas de sus obras se han convertido en elementos básicos del repertorio de conciertos moderno. Era un perfeccionista intransigente, destruyó algunas de sus obras y dejó otras inéditas.

Carlos López Buchardo fue un compositor argentino. Nació en Buenos Aires el 12 de octubre de 1881 y falleció en la misma ciudad, el 21 de abril de 1948. En Buenos Aires estudió piano con Héctor Bellucci y Alfonso Thibaud; armonía con Constantino Gaito y Luis Forino; en Francia, composición con Albert Roussel. En 1924 fundó el Conservatorio Nacional de Música (se llamó Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico), institución que dirigió hasta su muerte, y fundó y dirigió la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Fue presidente de la Asociación Wagneriana durante 32 años; dirigió el Instituto de Arte del Teatro Colón, formó parte del directorio de dicho teatro y fue miembro de la Academia de Bellas Artes. Su producción, comprende obras para el teatro lírico y orquesta sinfónica, composiciones de cámara, música para piano y canciones.
Obras: para orquesta: Escenas argentinas (Día de fiesta, El arroyo y La campera, 1920), Romeo y Julieta (suite sinf., 1934); para teatro: Il Sogno di Alma (1914, El sueño de Alma), Madama Lynch (música para la comedia lírica de Enrique García Velloso y Agustín Remón, 1932), La Perichona (música para la comedia lírica de García Vello- so, A. Remón y Enrique Susini, 1933), Amalia (música de escena para la comedia de Pedro Miguel Obligado y García Velloso, 1935); canto y piano: Seis canciones argentinas (1. Vidalita, 2. Los puñalitos, 3. Desdichas de mi pasión, 4. Vidala, 5. Canción del carretero, 6. Jujeña, 1924), Cinco canciones argentinas (1. Prendiditos de la mano, 2. Si lo hallas, 3. Frescas sombras de los sauces, 4. Oye mi llanto, 5. Malhaya la suerte mía, 1935), Porteñita, La doble cruz, Este pajarito, Canción de ausencia. La canción de Perico, Copla criolla; para piano: Bailecito (1936), Campera (1936), Nocturno (1944), Vidala (1944), Sonatina (1944); corales: Acuarelas (1938), Canción del carretero (1938, a 3 voces); cantos escolares: El arco iris, El canario, El jardín de mi escuela, Mi señorita, El patio (1938).

Juan Carlos Paz fue un compositor argentino, nacido en Buenos Aires el 5 de agosto de 1901. Falleció en la misma ciudad, el 25 de agosto de 1972.
Alumno de Eduardo Fornarini, Constantino Gaito (composición) y Vincent d'Indy en París. Con varios compositores de ideas afines, fundó el Grupo Renovación (1930) dedicado a la divulgación de la música moderna europea de esa época, en sus manifestaciones más diversas y posteriormente la Sociedad Nueva Música. Ejerció la crítica musical en varias publicaciones argentinas y como creador partió del posromanticismo debussista, para llegar, a través de una época de experiencias en los estilos politonal y neoclasicista, a la adopción del sistema dodecafónico en cuya escritura se expresó en la última fase de su quehacer creador, luego de 1930. Dice Roberto García Morillo que Paz es una suerte de desarraigado, un artista extraño en el medio en el que le tocó vivir. Llegó a una etapa de total libertad de medios luego de haber superado el dodecafonismo, y sus obras, muy bien construidas, son de diversidad extrema en los procedimientos, así como de una gran sobriedad, hallándose exentas de todo elemento extramusical y de todo material <<de relleno>>; todo ello a expensas de la resultante sonora, que para Paz queda en segundo lugar. Cuando abandonó el dodecafonismo «lo hizo para recurrir a un estilo de tipo experimental, liberado de toda sujeción a priori, pero creando al mismo tiempo normas muy severas y concretas, distintas en cada caso y resueltas con gran lucidez mental». Esta actitud está ilustrada por Rítmica ostinada (1952), caracterizada por su ímpetu y dinamismo; Superposiciones, Transformaciones canónicas, Continuidad 1953, Continuidad 1960, Música para piano y orquesta (1964), Concreción 1964, para 7 instrumentos, Galaxia 64 y Núcleos, donde el proceso hacia un clima abstracto y desmaterializado se hace agudo.

Alicia Terzian nació en la ciudad argentina de Córdoba. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires (Argentina), de donde egresó en 1958. Algunos de sus maestros fueron Alberto Ginastera, Gilardo Gilardi, Roberto García Morillo y Floro Ugarte. Fue elegida en 1970 uno de los Diez Jóvenes Sobresalientes del Año por la Cámara Junior de Buenos Aires. Tenía 18 años cuando Ginastera le pidió un ejercicio de politonalismo y logró sorprenderlo componiendo la Toccata Op. 4.
Completó su formación con estudios privados de dirección orquestal con el Maestro Mariano Drago. En la década de los años 1960 descubrió el valor de la música medieval de la iglesia armenia con el padre Leoncio Dayan en el Monasterio Mejitarista de San Lazzaro degli Armeni, Venecia. Unos años más tarde comenzó a interesarse por la música electrónica.
Después de completar sus estudios, Alicia Terzian enseñó historia de la música, historia de la ópera, orquestación, armonía, contrapunto y otras materias superiores en el Conservatorio Nacional de Música (Argentina), en el Conservatorio Municipal de Buenos Aires, en la Universidad Nacional de La Plata y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
En 1968 fundó el festival Encuentros Internacionales de Música Contemporánea (EIMC)​ y luego la Fundación que lleva su nombre, así como el Grupo Encuentros en 1978. El Festival Encuentros organizó 750 conciertos desde su creación, invitando a artistas argentinos y extranjeros, y también una gran cantidad de seminarios de interpretación y análisis, de composición y de dirección coral, clases magistrales, conferencias y debates.
El Grupo Encuentros fue un conjunto de geometría variable, que interpretaba esencialmente obras de compositores argentinos y latinoamericanos de vanguardia, algunas de ellas escritas especialmente para el conjunto.