El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del envase de guarda del disco en el que aparecen los siguientes intérpretes y obras:
Roberto García Morillo: CUARTETO No 1 PARA ARCOS, OP. 19
Alicia Terzian: TRES PIEZAS, OP. 5
Luis Zubillaga: DIRECCIONALES

LADO I
ROBERTO GARCIA MORILLO
CUARTETO No 1 PARA ARCOS, Op. 19
a) Moderato, animato;
b) Scherzo y Trio;
c) Siciliana (Lento);
d) Ricercare-Coral (Allegro Moderato)
LADO II
ALICIA TERZIAN
TRES PIEZAS PARA CUARTETO DE ARCOS (SOBRE TEMAS FOLKLORICOS ARMENIOS), Op. 5
a) Canción del Atardecer (Andante);
b) Pastoral con Variaciones;
c) Danza Rústica (Allegro Energico)
LUIS ZUBILLAGA
d) DIRECCIONALES PARA CUARTETO DE ARCOS CUARTETO CONTEMPORANEO
(Roberto Sawiki y Bernardo Stalman: violines; Simon Zlotnik: viola y Liborio Rosa: cello. Director: Enrique Belloc).

En el reverso del ejemplar, se lee la información escrita por el propio Enrique Belloc.
ROBERTO GARCIA MORILLO:
Este prestigioso compositor, ampliamente conocido en nuestro país y en el exterior, nació en Buenos Aires. Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música, donde fue alumno de Floro Ugarte, José Gil, Constantino Gaito y José Andre, En 1952 fue becado por la Asociación Dante Alighieri para realizar en Italia estudios sobre el teatro lírico, e invitado por el gobierno francés para estudiar la organización musical de dicho país. Ha concurrido, invitado, al Segundo Festival de Música Interamericana de Caracas y a otros prestigiosos festivales de América y Europa.
Desempeñó la presidencia de la Unión de Compositores de la Argentina. Es actualmente presidente de la Asociación Argentina de Compositores, miembro de la Sociedad Internacional de Musicología (con sede en Suiza) e integrante del Senado Académico del Centro Internacional de Estudios Musicales de Roma. Se ha desempeñado como miembro en jurados nacionales y extranjeros.
Como pedagogo, ocupa en la actualidad las cátedras de composición, instrumentación e Historia de la Música en el Conservatorio Nacional, y la cátedra de composición en el Conservatorio Municipal. Es, además, crítico musical del diario "La Nación". Ha dictado conferencias en importantes instituciones del país y sus artículos son publicados en revistas nacionales y extranjeras. Su vasta producción ha merecido premios, entre los que se destacan los otorgados por la Comisión Nacional de Cultura (1937-1939), Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires (1936- 1940-1941-1942 y 1943) y Asociación Wagneriana de Buenos Aires (1951). Su produción abarca todos los géneros. Entre ella, se destacan: el mimodrama Usher (sobre un cuento de Poe); el ballet Harrild; las cantatas Moriana, Márin y El Tamarit; tres Sinfonias; un Concierto para Piano y Orquesta; Tres Pinturas de Paul Klee; un Divertimento para Quinteto de Vientos; las Pin- turas Negras de Goya; las Variaciones Apolineas para piano; cinco Sonatas para este instrumento, y música incidental para numerosas películas.
El Cuarteto Nr. 1 para Arcos, Op. 19 (ganador del Premio Carlos López Buchardo, instituido por la Asociación Wagneriana de Buenos Aires) fue compuesto durante 1951 y dado a conocer en octubre del año siguiente. En esa oportunidad lo ejecutó el Cuarteto de dicha asociación.
De esencia fundamentalmente diatónica y modal, la obra se establece en una especie de Do Mayor, aunque manejado con gran libertad tonal. Comprende cuatro movimientos contrastantes entre sí, aunque trabajados sobre materiales temáticos homogéneos. El primer movimiento (alegro) está elaborado formalmente en base a la oposición de dos elementos: uno estático, a la manera de un coral con marcado predominio del intervalo de séptima; el otro de tipo melódico y dinámico en expansión. Esta oposición otorga al movimiento el aspecto de un rondo, aunque el elemento dinámico se asemeja a una sección de desarrollo de sonata. El segundo tiempo es un scherzo ternario, con su correspondiente trio, en el que el juego instrumental alcanza mavor importancia. El lento (siciliana) conforma la parte más expresiva e introspectiva de la obra. Está elaborado en base al ritmo de danza homónimo, y es precedido por una amplia frase tratada a la manera de coral para entrar luego en amplios desarrollos melódicos de esencia contrapuntística. El último movimiento: ricercare-coral adopta disposiciones fugadas. El sujeto deriva del motivo inicial de la obra. Comprende tres divertimientos (que alternan con las exposiciones del tema) realizados sobre materiales temáticos de los tiempos anteriores. En el coral reaparece el tema principal de la obra en disposición más amplia y sonora.
ALICIA TERZIAN:
Nació en la ciudad de Córdoba (Argentina). Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música, de donde egresó en 1958. Su labor es intensa tanto en el campo de la creación como en el de la musicología. Este último aspecto se ha concretado en múltiples conferencias dictadas en nuestro país y en el extranjero. Es profesora de la Escuela Superior de Arte de la Universidad Nacional de La Plata, del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y del Conservatorio Nacional. Además, es Secretaria del Comité Consultivo de la Sociedad Internacional de Musicologia (Suiza) y miembro de la "American Musicological Society". Pertenece, además, al Consejo Argentino de la Música (CIM-UNESCO). Ha sido jurado en diversos concursos nacionales y municipales. Su catálogo abarca obras de distintos géneros entre las que se destacan los Tres Retratos y las Canciones para Niños (ambas para voz y piano); Toccatta, Danza Criolla y Rondas Infantiles (para piano) y los Movimientos Contrastantes (para orquesta).
Las Tres Piezas para Cuarteto de Arcos basadas en motivos folklóricos armenios, fueron escritas en 1955, y estrenadas ese mismo año en la Asociación Wagneriana por el Cuarteto de la entidad. Se caracterizan por el empleo del microtonalismo tanto en el aspecto lineal como en el armónico, logrando ambiente y clima muy sugestivos. Canción del Atardecer (primera de ellas) está elaborada en forma tripartita, con un pasaje breve de tipo escalar confiado al primer violín y que sirve de introducción y coda, otorgando a la obra un neto carácter cíclico. Pastoral con cuatro Variaciones está basada en un tema de esencia trovadoresca expuesto por la viola, quien también concluye el número. La última de las piezas, titulada Danza Rustica, está escrita en forma de rondó con cinco partes. Se expresa en el desarrollo de un ritmo vital con un crecimiento paulatino para desembocar en una coda final muy brillante.
LUIS ZUBILLAGA:
Nació en 1928 en Buenos Aires, donde realizó sus primeros estudios de armonía y contrapunto. En 1955 se vincula con el maestro Juan Carlos Paz, con quien estudia composición, Cinco años más tarde se traslada a Caracas (Venezuela) en donde permanece hasta 1964. Allí desarrolla una amplia labor como conferencista y como docente en el Instituto Pedagógico Experimental, en donde ocupa la cátedra de Historia de la Música, y en el Instituto de Arte Contemporáneo de Caracas a través de la cátedra de composición. También desarrolló esta materia en la Escuela Superior de Música de Tucumán (Argentina). Desde comienzos de 1968 es miembro de la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires.
Sus obras han sido ejecutadas en nuestro país y en el extranjero, siendo las más importantes: Haiku y Paisajes en Fluctuación (ambas para piano, compuestas en 1961); Escenas, para cinco instrumentos (1962); Música para Diez Instrumentos (1963); Tres Piezas para Dos Pianos (1965); No Música para No Alguien (para conjunto de cámara) y Direccionales para Cuarteto de Arcos (1966).
Esta última obra fue realizada en Tucumán, y estrenada dos años después de haber sido finalizada en uno de los habituales con- ciertos de la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires por el Cuarteto Contemporáneo. Direccionales es una composición concebida en un único movimiento dividido en secciones, caracterizadas por tempi diferenciados. Estos tempi son determinados por tres tipos distintos de velocidades de ejecución. El plan formal de la obra responde al del tradicional rondó. Es decir: estructuras caracterizadas y diferenciadas que se suceden las unas a las otras de manera recurrente, aunque con una dirección marcada (de allí el título de la obra) que se manifiesta en la utilización de glissandi cada vez más numerosos al promediar la composición. Estos glissandi dirigen el movimiento hacia las estructuras lentas de marcado carácter armónico, las que pasan a dominar en el final, resolviendo así las tensiones creadas por las rápidas e imprevistas alternancias de las restantes secciones caracterizadas.
CUARTETO CONTEMPORANEO:
Es una agrupación dedicada a la difusión de la música de cámara de este siglo. Su repertorio es amplio y está formado por manifestaciones actuales del género. Ha dado a conocer en primeras audiciones obras de Penderecki, Gorecki, Nelly Moretto, Tejeda, Zubillaga, y tiene en preparación otras entre las que se encuentra el Cuarteto para Arcos de Rodolfo Arizaga, especialmente escrito para este conjunto. Son sus integrantes: Roberto Sawiki y Bernardo Stalman (violines); Simón Sitonik (viola) y Liborio Rosa (violoncello) todos ellos instrumentistas de relevante actuación tanto en organismos sinfónicos como en agrupaciones de cámara. Su director, Enrique Belloc es un compositor nacido en Buenos Aires en 1936. Actúa en las vanguardias musicales y sus obras han sido ejecutadas en América y Europa.

En esta Serie documental, se agrupan los ejemplares de discos de vinilo que fueran donados por Daniel Eduardo Nápoli, con interpretaciones de la obra de Wolfgang Amadeus Mozart.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo y el sobre interno de guarda. El LP fue grabado por: Martin GALLING (piano), con "LOS SOLISTAS DE STUTTGART", dirigidos por GÜNTER WICH.
LADO 1
Banda 1: CONCIERTO No 1 EN FA, K. 37
Allegro
Andante
Rondo
LADO 2
Banda 1: CONCIERTO No 3 EN RE, K. 40 Allegro maestoso
Duración: 12' 15"
Duración: 14' 51"
Andante Presto
Banda 2: CONCIERTO No 2 EN SI BEMOL, K. 39
Allegro spiritoso
Andante
Molto allegro
Duración: 14' 43"
Duración: 14' 37"
Banda 2: CONCIERTO No 4 EN SOL, K. 41 Allegro Andante Molto allegro

El siguiente texto de la contratapa, fue preparado por Egon F. Kenton, traducido y extractado por Ricardo Turró:
No está de más recalcar que el instrumento de Mozart fue el piano: no el clavicémbalo ni el clavicordio. Por cierto que los pianos existentes en el hogar de Mozart no eran los más robustos intrumentos que utilizó Beethoven en el siglo siguiente, pero tenían martillos. Por tanto, no deja de ser interesante enterarse que los primerísimos conciertos para instrumento de teclado que vinieron de manos de Mozart son sus únicas composiciones que podrían concebirse como escritas para el clavicémbalo. Si decimos "que vinieron de manos de Mozart" en lugar de "creadas por Mozart", es porque él no las compuso: simplemente, son arreglos y transcripciones que hizo de movimientos de Sonatas escritos por diversos ejecutantes de clave germanos que vivían en París.
Hubo manuscritos de estos cuatro conciertos en la Real Biblioteca de Berlín, claramente asignables -por rasgos y escritura- al jovencito Mozart y su padre. Están fechados en abril de 1767. Los musicógrafos consideran que son los primeros conciertos de piano y orquesta que escribió Wolfgang, quien hizo los arreglos en abril, junio y julio de 1967.
EI CONCIERTO N° 1 EN FA, K. 37, de igual modo que los restantes, consta de tres movimientos. El Allegro deriva de una Sonata de Raupach y el movimiento marcado Rondo (que en realidad no es tal), procede de otra Sonata de Honnaver. El Andante central, muy probablemente, corresponde a Johann Schobert. Es el más interesante de los tres trozos.
El CONCIERTO No 2 EN SI BEMOL, K. 39, se sustenta temáticamente en Raupach en sus movimientos externos. El Allegro spiritoso señala un progreso en la manera de administrarse el joven compositor. Nuevamente, es el Andante intermedio (también de Schobert) lo más significativo de este Concierto; Mozart precedió este Andante con una introducción orquestal bastante extendida.
El CONCIERTO No 3, EN RE, K. 40, tiene por base del Allegro maestoso una adaptación de una Sonata de Honnauer. Se tiene la impresión de que comenzaba Mozart a desinteresarse en la adaptación de música ajena (no muy inspirada), pues el arreglo es mera alternación de tutti y soli pianísticos. Y es de lamentar que esté ausente alguno de los Andantes de Schobert que, hasta aquí, habían animado sus anteriores Conciertos: porque el utilizado en esta ocasión, un Andante en La de Johann Gottfried Eckard, sólo puede justificarse en este hecho:
el haber nacido su autor en Augsburg, localidad donde también vio su luz Leopoldo Mozart. El mejor trozo de este Concierto es el Presto final, que según St. Foix sería transcripción de una página de Legrand.
EI CONCIERTO No 4 EN SOL, K. 41, marca un sensible progreso de Mozart sobre los tres precedentes. El material temático es de fuentes semejantes a las de casos anteriores. El Allegro inicial sigue textualmente el de la Sonata Op. 1, de Honnauer, y el Molto allegro es también el Finale de la misma obra. Ambos están en compás ternario. El Andante central, en 2/4, se inspira en música de Raupach. Está en Sol Menor, y es de destacar que tanto la tonalidad como el sentido melancólico que exhala anticipan otras composiciones ulteriores de Mozart en la misma tonalidad.
Se ignora si Mozart tocó en público estas obras y dónde. Pero, aun si no las hubiera tocado, es indudable que le sirvieron de mucho como fuente de ejercitación y de experiencia.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo y el sobre interno de guarda. El LP fue grabado por: Felicity Palmer, Alfreda Hodgson. David Hill (órgano). The Choir of St. John's College, Cambridge The Argo Chamber Orchestra, dirigida por George Guest
SIDE ONE
PERGOLESI: STABAT MATER

1. Stabat Mater dolorosa 4.07
2. Cujus animam gementem 244
3. O quam tristis 2.23
4. Quae morebat et dolebat 2:45
5. Quis est homo 3.02
6. Vidit suum dulcem natum 4.25
7. Fac ut portem 4.05

SIDE TWO
PERGOLESI: STABAT MATER

1. Sancta mater 5.26
2. Fac ut potem 4.05
3. Inflammatus et accensus per te 2.34
4. Quando corpus morietur/Amen 4.10
   PERGOLESI (RICCIOTTI): CONCERTINO II
5. (i) Largo Da Capella non Presto 5.13
6. (ii) Largo Affettuoso 4.21
7. (ii) Allegro 2.33
   Se reproduce parte de la traducción del texto original de la contratapa, escrito por Peter Holman:
   El Stabat Mater Dolorosa es un poema medieval que describe la angustia de la Virgen María durante la Crucifixión. Parece datar de finales del siglo XVIII y tradicionalmente se atribuye a Jacopone de Todi, un hermano laico franciscano que murió en 1806. Aunque fue popular durante siglos como poema devocional, no fue hasta 1727 que se publicó oficialmente, aceptado en el Misal Romano y el Breviario, y por tanto en la liturgia. Aunque existen ambientaciones musicales del Renacimiento (las de Josquin y Palestrina son ejemplos famosos), el poema no atrajo atención hasta el siglo XVIII, cuando fue ambientado, entre otros por Alessandro y Domenico Scarlatti, d'Astorga, Vivaldi, Stef Fani, Bononcini Clari y Haydn, así como Pergolesi. La razón de esta repentina popularidad probablemente se pueda encontrar en la naturaleza emocional y dramática del poema, más que en su aceptación como parte de la liturgia, como, hasta donde sabemos, la mayoría, si no todas, las composiciones de los compositores enumerados anteriormente fueron diseñados para devociones no litúrgicas o presentaciones en conciertos. Ciertamente, la escenografía de Alessandro Scarlatti, que parece ser la más antigua de este grupo, fue encargada por los Cavalieri della Vergine dei dolori, una hermandad laica napolitana, para sus devociones cuaresmales. La composición de Scarlatti, compuesta para voces de soprano y contralto (probablemente cantada por castrati), dos violines y continuo, fue compuesta probablemente en la segunda década del siglo XVIII y fue utilizada por la hermandad hasta 1785, cuando se encargó una nueva composición a Pergolesi.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo titulado: “Concierto en La bemol mayor para dos pianos y orquesta”. Los intérpretes son: Anthony y Joseph Paratore (piano) y la RIAS-Sinfonietta, dirigida por Uros Lajovic.
Lado 1:
Allegro vivace
Lado 2:
Andante Allegro vivace
Este LP consta del título y la información escrita en varios idiomas. En la contratapa, se encuentra la reseña en alemán de Ekkehart Kroher, su traducción al inglés de Celia Skrine y al francés de Carl de Nys.
Se presenta en este registro, una versión en español de la misma:
Casi completamente desconocidas son aquellas primeras obras sin número de opus que Mendelssohn escribía desde los diez años. Las obras que el joven compositor escribió a partir de 1819 tenían, por supuesto, el carácter de estudios para perfeccionar su propio dominio del arte de la composición y para familiarizarse con los diferentes tipos de formas musicales. Pero el aspecto más fascinante de estos primeros intentos es la confianza intuitiva con la que Mendelssohn asimiló influencias muy diferentes y forjó su propio estilo personal. Sus partituras autógrafas y los informes de testigos fiables dan testimonio tanto de su buen gusto como de su capacidad de autocrítica, al igual que su decisión de no publicarlas. Por supuesto, el resultado fue que estos juveniles intentos fueron casi olvidados. Esto es sorprendente en el caso del Concierto doble en la bemol mayor para dos pianos, porque el repertorio del concierto contiene muy pocas obras para esta combinación. De hecho, este no fue el primer concierto para piano doble que escribió el talentoso joven pianista. El año anterior (1823) Mendelssohn había producido uno en mi mayor. Su partitura autógrafa contiene numerosas correcciones y adiciones, mientras que su manuscrito del concierto en la bemol parece haber sido escrito directamente, lo que sugiere que ahora sabía exactamente lo que estaba haciendo. Aunque ambas están divididas en tres movimientos, las dos obras son muy diferentes. Características particularmente llamativas del concierto en La bemol son el cambio de peso musical a favor de los solistas y la originalidad de la solución de Mendelssohn al problema formal del final. La orquesta se mantiene notablemente en un segundo plano excepto al principio y al final de cada movimiento y son los solistas quienes marcan el tono. Sus partes individuales se entrelazan de manera tan perfecta y orgánica que la relativa pasividad de la orquesta, aunque notable, no perjudica la impresión general. Sin embargo, fue un experimento que Mendelssohn nunca repitió. Sorprende sobre todo el sonido característico, reconocible a la vez en la línea melódica, la armonía imaginativa y, sobre todo, en la forma en que los diferentes movimientos son concebidos y contrastados individualmente.

El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa del disco de vinilo interno, interpretado por Arturo Benedetti Michelangeli en piano y la Orquesta Sinfónica de Viena dirigida por Carlo Maria Giulini.

El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa del disco de vinilo interno.

El PDF muestra las imágenes de tapa y contratapa del sobre de guarde del disco de vinilo interpretado por el AMADEUS-QUARTETT, compuesto por:
Norbert Brainin, 1er Violín; Siegmund Nissel, 2do Violín; Peter Schidlof, 1er Viola; Martin Lovett, Violonchelo, con Cecil Aronowitz, 2da viola

Lado 1:
Streichquintett Nr. 1 F-dur op. 88
(String Quintet No. 1 in F major, Op. 88)

1. Satz: Allegro non troppo, ma con brio
2. Satz: Grave ed appassionato .- Allegro vivace - Tempo I- Presto – Tempo I
3. Satz: Finale: Allegro energico
   Lado 2:
   Streichquintett Nr. 2 G-dur op. 111
   (String Quintet No. 2 in G major, Op. 111)
4. Satz: Allegro non troppo, ma con brio
5. Satz: Adagio
6. Satz: Un poco Allegretto
7. Satz: Vivace, ma non troppo presto

El texto se encuentra en tres idiomas: alemán, inglés y francés. La versión en español, diría que a finales de agosto de 1862, Brahms envió a Clara Schumann los tres primeros movimientos de un quinteto de cuerda, que obtuvo su aprobación incondicional. Joachim también elogió la obra, lamentando sólo la falta de encanto tonal, lo que debe verse como un problema técnico posiblemente atribuible a la composición con dos violonchelos. Brahms terminó el trabajo y descubrió que las críticas de Joachim estaban justificadas. Insatisfecho, dejó el manuscrito a un lado.
Pasaron más de veinte años antes de que Brahms volviera a adoptar la forma del quinteto de cuerda. Esta vez adoptó la ya probada partitura clásica con dos violas. El Quinteto en fa mayor, op. 88, fue escrito en un solo estallido de actividad a principios de 1882, mientras. Brahms se alojaba en Bad Ischl. Después de cada movimiento escribió, con evidente buen humor: "Primavera de 1882". Especialmente interesante es el movimiento central, en el que Brahms fusionó la sección lenta y el episodio del scherzo de una obra que sigue el esquema normal de la sonata. La Tumba, que se desarrolla tres veces y termina en recapitulaciones alteradas, incluye un Siciliano parecido a un scherzo. Esto también regresa en forma variada, de modo que todo el movimiento tiene la estructura de una forma de rondó variada en cinco secciones. Para el tema La Tumba, Brahms utilizó un estudio anterior de zarabanda que había escrito en Hamburgo en 1855.
El quinteto en sol mayor, op. 111 para la misma combinación de instrumentos marcó la decisión de Brahms de retirarse de la vida activa como compositor. Por lo tanto, es particularmente significativo que esta música no esté afectada por ninguna sugerencia de melancolía o un estado de ánimo de despedida. El comienzo del primer movimiento deriva de bocetos que originalmente estaban destinados a una quinta sinfonía. La amplitud sinfónica del sentimiento es, de hecho, evidente en el tema del violonchelo, aunque tiene dificultades para producir efecto contra el trémoli de las otras cuerdas. A pesar del "Adagio profundo y conciso" (Joachim), basado como siempre en el principio de variación, esta obra expresa una actitud tranquila y afirmativa ante la vida; el final tiene el carácter de una zarda (baile), y la atmósfera austrohúngara de la obra también se sugiere encantadoramente por los ecos de los valses en el movimiento inicial. Pocas veces un hombre de cincuenta y tantos años ha parecido tan joven como Brahms en este Quinteto, que pretendía ser su opus ultimum, pero al que siguió la composición de otras obras. No pasó mucho tiempo después, en marzo de 1891, cuando Brahms conoció en Meiningen a Richard Mühlfeld, un intérprete de clarinete excepcionalmente consumado, quien lo inspiró a comenzar de nuevo la composición para su instrumento.

El PDF muestra las imágenes de tapa y contratapa del sobre de guarda del disco de vinilo interpretado por Daniel Barenboim. El mismo, contiene un folleto con 10 páginas impresas por ambas caras, con el detalle de los ejemplares editados. Se titula: "The best of Deutsche Grammophon" piano -organ -chamber music".

El PDF muestra las imágenes de tapa y contratapa del sobre de guarda del disco de vinilo.